AFROMEXICANOS: EL COLOR INVISIBLE

(AUTO-ENTREVISTA CON EDUARDO AÑORVE, FOTÓGRAFO)

El 8 de abril pasado, se inauguró en Chilpancingo la exposición fotográfica “AfroMexicanos, el color invisible” del fotógrafo cuijleño Eduardo Añorve Zapata. La muestra instalada en el Rincón de don Cafeto se compone de 12 fotografías en blanco y negro, técnica: plata sobre gelatina, en formato ocho por diez pulgadas. Las imágenes están datadas en años que van desde 1992 hasta 2002; es decir, cubren diez años de quehacer fotográfico y se inscriben en el género del retrato. Luego de los vinitos servidos durante la inauguración y de una exitosa partida de ajedrez, procedo a interrogarlo y él a contestarme. Se nota eufórico por los tufillos y el humor de los tintos y blancos ingeridos.

P: Hay algo de truculento en el título de la exposición: En realidad, ningún color es invisible. En todo caso, la mayoría de los sujetos retratados tiene piel morena o negra, lo que se refuerza con el prefijo “afro”, en alusión a su origen racial…

R: En efecto, mira usté bien. La apuesta del título es llamar la atención sobre ciertas contradicciones acerca de la presencia africana en la Nueva España y en México, desde las perspectivas histórica y cultural. Si para la cromática ningún color es invisible y, en efecto, el negro no es un color sino la ausencia de color, durante larguísimos y horroríficos siglos se han asimilado tres conceptos: lo africano, lo negro y la esclavitud, donde el negro alude al color de la piel de los esclavos africanos que fueron secuestrados de su tierra natal y traídos como bestias de carga a América. En nuestro territorio, el trabajo y la cultura de los africanos fueron determinantes en la economía, la cultura, la sociedad y la historia nacionales; esa presencia se ha omitido y se omite con demasiada frecuencia puesto que se les consideró y –¡todavía!– se les considera inferiores e infames –violentos, holgazanes, lujuriosos, p. ej.–  por el mero color de la piel; como reacción, de la sociedad y de los afrodescendientes, en México ha existido desde antiguo un proceso de blanqueamiento, no sólo de la piel sino también de la cultura y la historia. En síntesis, la exposición transita de la física a la historia y la cultura; de la física, porque alude al color; la historia y la cultura porque se refiere a un grupo étnico, los afromexicanos. Por cierto, aclaro que no creo en lo “racial”; adopto una idea del pintor Jaime d’Angela en el sentido de que debiera descartarse el uso del concepto de “razas” para los grupos y civilizaciones humanas; es discriminatorio.

P: ¿Estamos en presencia de fotografía política o ideológica, entonces? Podría yo calificarla como “fotografía documental”; sin embargo, su explicación y la toma de posición ideológica tan radicales lo impiden.

R: Vale la aclaración que hace, y se acepta. Si bien la idea que funda y cohesiona la muestra es puramente política, las imágenes no lo son. Explico: No es una exposición para “mostrar” negros sino para documentar su presencia actual en la Costa Chica –que de allí proceden las fotografías–, pero no solamente desde su condición étnica, sino desde su condición de seres humanos que ríen, aman, sufren, gozan, como cualquier individuo de cualquier parte del mundo. El color de la piel, pues, es el factor visible de esta condición étnica, y se parte de él para trascenderlo, para provocar en el espectar alguna emoción, idea, pensamiento o reacción cualquiera –excepto la indiferencia–, aunque lo fundamental se refiere al gusto o disgusto del mirón.

P: ¿Gusto o disgusto del mirón?

R: Sí. No importa si el espectador tiene nociones o es un experto en la fotografía; el reto es que las imágenes enriquezcan su visión del mundo, su experiencia vital. Dicho de otro modo, que le gusten o no. Si le son indiferentes, si permanece insensible ante ellas, si le parecen un “fraude”, el pacto fotógrafo-espectador no funcionó; las imágenes, en este caso, pierden sentido, no “significan”. Si todo espectador reacciona de este modo, posiblemente sí se consume el fraude. En suma, hay una pretensión estética.

P: La mayoría de las fotos parecen posadas, ¿no le interesa la espontaneidad en sus personajes?

R: La única foto posada es “Chiquitillada”; ella ocurre porque existe antes un pacto expreso entre el fotógrafo y los niños retratados para hacer la foto. Incluso en esta imagen convenida, algunas palabras dichas en el momento de apretar el obturador –fracciones de segundo– provocan la risa de la mayoría de los niños, la que aparece como espontánea, aunque esté lograda por un truco premeditado del fotógrafo, y eso se impone por sobre la pose. En las demás imágenes, la complicidad entre el fotógrafo y sus modelos está implícita, no se expresa, menos interfiere en la colocación, el gesto o cualquiera otra de sus circunstancias, y ha sido lograda tras mucho tiempo de convivir, cámara en mano, con ellos. Aunque varios de los sujetos retratados miran directamente a la cámara, en realidad miran al fotógrafo que conversa con ellos instantes antes o después de hacer una fotografía, en ocasiones a petición de los retratados, o en circunstancias cotidianas y triviales; ello explica algunos cortes violentos: muchas veces el fotógrafo no tiene la cámara a la altura de los ojos, no se le mira enfocando o encuadrando, sino tiene el aparato a la altura del pecho, realizado ya el encuadre y el enfoque, esperando el momento propicio de apretar el obturador.

P: Por el formato de sus imágenes se colige que utiliza una cámara réflex de 35 mm; por la última descripción que hace, que da la impresión de trabajar con formato medio… ¿Es cierto esto último, y edita o recorta sus impresiones?

R: Trabajo, y he trabajado siempre, con cámaras pequeñas, de 35 mm –Olympus OM-10, antes; Nikon-FE y Konica FS1 ahora–. Nunca he tenido el dinero suficiente para adquirir una de formato medio, ni menos para una de gran formato. Generalmente utilizo lentes de focal fija –40, 50 y 55 mm o de 90 y 105 mm– y sin filtros; alguna vez utilicé un zoom 20-80 mm. No son cámaras que haya elegido libremente sino en función del escaso dinero; digo esto porque esta condición impone restricciones al trabajo fotográfico. En la Olympus, por ejemplo, la abertura del diafragma era automática, limitante de las opciones al momento de la toma. Sin embargo, esas dificultades no son determinantes en la producción de imágenes. Por otro lado, Ulises Castellanos me enseñó que el fotógrafo debe mirar la escena tal como debe aparecer en la impresión final; por ello, las impresiones de mis imágenes incluyen el negativo completo, sin ediciones. No estoy en contra de la edición de las imágenes, incluso con fines periodísticos; sin embargo, es más placentero saber que puedo ahorrarme la edición. Creo que así como un texto literario, una pintura, una escultura, un partitura, una película o cualquier objeto artístico se logran tras muchos intentos y elecciones, la fotografía debe beneficiarse con los recursos que le permitan proporcionar goce estético. El ejemplo del Ché de Korda ha de seguir vigente por los siglos de los siglos.

P: ¿Por qué el retrato? ¿Por qué blanco y negro?

R: Me interesan las personas, lo humano. El paisaje, los objetos, los animales, la ciudad; lo inanimado no me atrae. El retrato casi siempre se define a partir de la mirada; a partir de la mirada del sujeto retratado se ordena la fotografía. La mirada, ausente o presente, directa u oblicua. “Los ojos son el espejo del alma”, acuñaron los antiguos; y me gusta esa sentencia. Me interesa también el cuerpo humano, sus formas; el desnudo. En donde vivo, difícilmente encuentro personas dispuestas a dejarse retratar desnudas; hay un tabú sobre el cuerpo. Mi concepción del erotismo humano tiene que ver con las formas del cuerpo, las curvas, el volumen, la textura. Sin embargo, por la dificultad que entraña conseguir modelos, no hago desnudos; a veces uno que otro autorretrato. Por cuestiones de expresión, el blanco y negro se acomoda mejor a mi mirada, que huye de la luz fuerte, directa. Prefiero los interiores, los días nublados. Temo a la luz diurna. Y no sé mirar, no he aprendido, a mirar en color; apenas sé mirar en grises, blancos y negros. El color implica un entrenamiento distinto, un manejo distinto de la película, de la exposición. He explorado poco el color. Además, lo considero menos expresivo que el blanco y negro en cuanto a retrato se refiere.

P: Retrata usted a varias personas repetidamente; ¿recurre a los mismos modelos porque le es fácil?

R: Retrato a las mismas personas porque confían en mí, a pesar de la cámara. La familiaridad entre ellos y yo ha llegado a un punto en que casi se olvidan que traigo conmigo una cámara; como si la máquina fuera parte de mí mismo y se me aceptara con ella, con naturalidad. Eso hace que esas personas puedan ser retratadas sin estar preocupadas por verse bien, por parecer atractivas, sin mentir a la cámara ni al fotógrafo. En consecuencia, puedo retratarlas en su entorno, en su vida doméstica o festiva o religiosa, incluso hasta trágica, sin que se note una intromisión.

 

P: Actualmente, ¿qué derroteros tiene su obra, qué preocupaciones estéticas tiene?

R: Expresivas. En los últimos años he estado haciendo autodesnudos. Los desnudos que quisiera hacer con otros modelos inaccesibles, los ejecuto conmigo; no encuentro otra solución. Como decía arriba, me interesa el cuerpo. En los últimos años he experimentado algunos autodesnudos. Quería introducir en esta exposición un autodesnudo hecho con un escáner de cama; finalmente decidí no incluirlo porque supuse que no sería bien visto –como imagen, como expresión estética del erotismo propio– sino desde el punto de vista moral y supuse, en consecuencia, que sería rechazado dada la fuerte carga erótica explícita. Decidí no incluirlo porque pensé que sería censurado. Es más, seguro que ni un semanario tan liberal como Trinchera lo publicaría en sus páginas. Pero es el signo de los tiempos: la moral pública inhibe a la estética, y la nuestra no es precisamente una moral abierta. He explorado, además, con fotos hechas para crear imágenes a partir de ellas, editándolas en Photoshop; los resultados son emocionantes y aleccionadores. También tengo en mente meter al estudio a personas comunes y corrientes para retratar sus reacciones al encontrarse en un medio distinto al cotidiano. Hasta ahora sólo es un proyecto.

P: Para concluir: ¿cuál es su fotógrafo favorito?

R: Ninguno. Todos los fotógrafos son incompletos, aún los más consistentes tienen caídas o vacíos en su obra, en su trabajo fotográfico. Prefiero apreciar fotografías, no obras completas. De Duane Michals, por ejemplo, admiro una de sus series y algunas de sus fotografías; lo mismo ocurre con Ansel Adams, la Cameron, Witkin, Strand y muchos más que no podría agotar ahora. En mi mente permanecen sus imágenes y los autores pasan a segundo plano.